Fundador:
Miguel R. Valladares García

domingo 21 octubre 2018

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Las figuras delgadas con poses antinaturales, ojos desorbitados y manos deformes de cuerpos desnudos son las características de Schiele, quien fuera conocido como discípulo de Gustav Klimt y admirador de Ferdinand Hodler.

Con motivo al centenario de su muerte, la Galería de Belvedere, en Viena explorará y presentará la historia de la colección basada en trabajos individuales en la muestra Egon Schiele: Pathways to a Collection.

Con la curaduría de Kerstin Jesse, la muestra analiza cada una de las piezas, aspectos como la adquisición, la materia y la persona retratada.

En su obra, centrada en la representación de la figura humana, destacaba la obsesión por el autorretrato, en el que analizaba su cuerpo trascendiendo las convenciones culturales y morales del momento. A esto se unía su interés por la representación de las diversas caras de la sexualidad, lo que hizo que su arte fuese calificado en numerosas ocasiones como pornográfico.

Por primera vez se incluirán análisis científicos que dieron como resultado nuevos hallazgos sobre la técnica de pintura del artista y sus métodos de trabajo.

La muestra se enriquece de préstamos, especialmente estudios preliminares y bocetos relacionados con las obras en el Belvedere.

Además, se presentarán documentos y archivos que nunca han estado a la vista del público y ofrecen una visión más profunda de la historia sobre la adquisición y el destino de los coleccionistas individuales.

Finalmente, los visitantes podrán comprender mejor las pinturas de Schiele y sus métodos de trabajo en una presentación de los resultados del proyecto de conservación en curso de Belvedere que fue lanzado en otoño 2016.

Egon Schiele: Pathways to a Collection podrá verse del 19 de octubre de 2018 al 17 de febrero de 2019 en la Galería Belvedere, Viena.

Los trazos eróticos de Schiele llegan a Viena

La IV Bienal de Pintura José Atanasio Monroy llegó a su fin y anunció las obras ganadoras del certamen organizado por la Universidad de Guadalajara a través del Centro Universitario de la Costa Sur y Cultura UDG.

A través de un comunicado informó que Jorge Juan (Jordi) Boldó Belda fue el ganador del primer lugar en la categoría “Artistas consolidados” con su obra Tríptico terrenal. El creador recibió 100 mil pesos por su triunfo.

El segundo lugar lo recibió Carlos Gerardo Cárdenas reyes, con Panorama, mientras la tercera posición fue para Reynaldo Díaz Zesati por la obra Ir hacia nada, pieza que también fue seleccionada para ser la imagen oficial de la V Bienal de Pintura José Atanasio Monroy.

En la categoría “Noveles creadores” el primer lugar fue para Juan Manuel Salas Valdivia, quien recibió 80 mil pesos por su obra Figuras sobre paisaje; el segundo lugar fue para Sofía Kalife Fuentes, con Glitcheados; la tercera posición fue para Juan Andrés de la Torre Lobato, por Posibilities for anomaly (boda).

El jurado también otorgó menciones honoríficas a César Córdova, Carlos Esteban Luevano Alonso, Esmeralda Torres Sánchez, Erick Hugo Pérez Arriaga, Juan Bernardo López Aros y Paola Carolina Ramírez Hernández.

El jurado estuvo compuesto por la artista multidisciplinaria Mónica Dower, el artista Arnaldo Coen y Joao Rodríguez. En esta edición se registraron 623 personas con mil 388 obras, de las cuales 966 fueron registradas bajo la categoría Noveles Creadores y 422 en la de Artistas Consolidados.

La premiación e inauguración de la exposición itinerante se llevará a cabo el viernes 26 de octubre de 2018 a las 20:00 horas en el Centro Universitario de la Costa Sur.

Anuncian ganadores de la IV Bienal JA Monroy 2018

“La Mona Lisa”/ Foto: Archivo

Una investigación arrojó que Leonardo Da Vinci, autor de obras como “La Mona Lisa”, “La última cena” y “La Virgen de las Rocas”, padeció un tipo de estrabismo que le habría ayudado a crear sus obras maestras.

El estudio realizado por Christopher W. Tylder, de la Universidad de la Ciudad de Londres, apuntó que el pintor e inventor pudo haber tenido exotropia intermitente, situación que provoca la desalineación de los ojos en la que uno gira hacia afuera.

La investigación publicada en Jama Ophthalmology apuntó que se considera que algunas de estas situaciones de los ojos son benéficas para el trabajo artístico de los creadores, pues el ojo que se desvía se suprime y proporciona una visión monocular vidimensional al creador.

Tylder examinó imágenes y pinturas del artista en las que halló las evidencias de su conclusión.

De acuerdo con el estudio esta condición permitió a Leonardo da Vinci apreciar las características tridimensionales de caras y objetos en un lienzo.

De acuerdo con El País, Michael F. Marmor, autor de The Artist’s Eyes, dijo que diagnósticos de este tipo son arriesgados y “bastante ingenuos” porque es dudoso que las obras representen a Da Vinci. Agregó que era dudoso que el estrabismo aportara algo al artista, pues ninguna persona con una visión normal tiene problemas al ver imágenes con buena percepción de la profundidad.

Estudio asegura que Leonardo da Vinci era bizco

Enormes réplicas de dinosaurios decorados con arte huichol, invadieron el área de la Alameda Zaragoza de esta ciudad, como parte de la exposición “Titanes del Desierto”.

La exposición, tiene como objetivo enaltecer la importante actividad y legado paleontológico del estado y consolidar a Coahuila a nivel nacional e internacional como Tierra de Dinosaurios.

Su inauguración fue encabezada por el secretario de Economía y Turismo, Jaime Guerrra Pérez, y Manolo Jiménez Salinas, alcalde de Saltillo, quienes resaltaron que el significado que tiene Coahuila como Tierra de Dinosaurios, es símbolo de la maravillosa flora y fauna de la entidad.

Con el apoyo del gobierno del estado, el Museo del Desierto y la Dirección de Fomento Económico y Turismo del Municipio, se instalaron dos réplicas a gran escala de dinosaurios del período cretácico decoradas con arte Huichol: el Velafrons Coahuilensis y el Tiranosaurio Rex.

Dichas réplicas se encuentran en la explanada central de la Alameda de Zaragoza. El portal de entrada de esta exposición se instaló en el cruce de las calles Purcell y Victoria.

En el lugar se realizó el corte del listón inaugural para dar lugar al recorrido en túnel de la exposición fotográfica con video-maping, junto con un espectáculo de luces.

El alcalde Jiménez Salinas platicó brevemente del origen de las réplicas e informó que el primer evento en el que se presentaron estas réplicas fue el Festival Burning Man, en Nevada, Estados Unidos.

Réplicas a gran escala de dinosaurios decorados con arte huichol se exponen en Alameda de Saltillo

LONDRES (EFE).- El grafitero Banksy ha revelado que su obra “Girl With Balloon” (Niña con globo), subastada el pasado 5 de octubre en la casa de subastas Sotheby’s e inmediatamente autodestruida de forma parcial, se debería haber troceado del todo pero el sistema falló.

En un video colgado en su página web, el artista británico de identidad desconocida afirmó que la casa de subastas londinense no conocía sus planes, como muchos han afirmado después de que la noticia de lo sucedido se viralizara.

La obra, una de las creaciones más populares de Banksy que muestra a una niña que trata de alcanzar un globo en forma de corazón, se vendió a comienzos de mes por 1.04 millones de libras.

Nada mas que el martillo golpeara el atril para confirmar la venta, una trituradora de papel escondida dentro del marco victoriano que sostenía el lienzo se activó, reduciendo a trizas la mitad de la pintura.

Una acción que sorprendió a todos los allí presentes y que el propio autor explicó al día siguiente en su cuenta de Instagram con un video que tituló con una cita del pintor español Pablo Picasso, “la necesidad de destruir es también una necesidad creativa”.

Una aclaración que ahora ha ampliado en otra grabación encabezada con la frase “Destruye el amor. El corte del director”, al que sigue una recopilación de lo ocurrido en Sotheby’s el pasado 5 de octubre.

El video concluye con la afirmación “en los ensayos funcionaba cada vez”, y muestra como en una prueba el cuadro se destruye totalmente al accionar el mecanismo de dentro del marco, y no como ocurrió en la subasta, en donde se paró de repente a la mitad.

El director de arte contemporáneo en Europa de Sotheby’s, Alex Branczik, manifestó tras los sucedido que la casa desconocía los planes del enigmático arista de Bristol (Inglaterra).

Tal y como reiteró este miércoles en una entrevista concedida al medio especializado “The Art Newspaper”, la casa no detectó la trituradora porque les dijeron que “el marco era una pieza clave del trabajo”.

Es decir, que no podían manipularlo porque era “parte integral” de la obra, algo que, según reconoció Branczik, “resultó efectivamente ser así”, aunque no de la forma que esperaban.

La “performance” de Banksy “se convirtió al instante en historia del arte mundial”, subrayó Sotheby’s en un comunicado, que considera que es “la primera vez en la que un nuevo trabajo artístico se crea durante una subasta”.

Medios británicos han estimado que el valor del lienzo en el mercado ha podido doblarse gracias a la relevancia que tuvo su destrucción.

Banksy confirma que la destrucción de su obra no salió como lo tenía planeado (VIDEO)

Plácido Domingo interpretó un repertorio de temas clásicos y mexicanos / Foto: EFE

DURANGO (EFE).- El tenor español Plácido Domingo cautivó con un repertorio de temas clásicos y mexicanos a 21 mil 500 espectadores en su regreso a la ciudad de Durango en el marco del Festival Cultural Revueltas 2018.

En unos colmados jardines del Centro Cultural y de Convenciones Bicentenario de Durango, en el norte de México, abrió su concierto con un aria de Richard Wagner que se prolongó más de dos horas y que terminó con canciones del folclor mexicano acompañado de un mariachi.

Plácido Domingo recibió ovaciones cálidas y emocionadas de los 21 mil 500 asistentes a este concierto, que forma parte del Festival Cultural Revueltas 2018, que comenzó el pasado 18 de septiembre y que culminará el 28 de octubre próximo.

El Gobierno del estado de Durango regaló 18 mil entradas y dispuso que se vendieran 3 mil 500 más que se agotaron ante la convocatoria de lo que ha sido la primera actuación musical de Plácido Domingo en México en lo que va de 2018.

A Plácido Domingo lo acompañaron el tenor mexicano Arturo Chacón Cruz, con quien interpretó canciones como “Duo de amigos”, “La donna E mobile” y “Feliz morada”.

Con la soprano puertorriqueña Ana María Martínez compartió el micrófono con el tema de “Dite Alla giovine”, de la ópera La Traviatta, mientras que con la orquesta de la Universidad Juárez del Estado de Durango (UJED) interpretó “Conga del fuego nuevo”.

El momento más emotivo del concierto fue cuando presentó a su hijo del mismo nombre, con quien interpretó algunos de sus temas más clásicos como “Amor, vida de mi vida”, “Sabor a mí” y “Adoro”, ésta última del compositor mexicano Armando Manzanero.

“Mi papá se llamaba Plácido Domingo y cantaba; yo me llamo Plácido Domingo y cantó, les presentó a mi hijo que se llama Plácido Domingo”, le dijo el tenor a los presentes en su concierto.

El tenor español cantó de corrido, sin intermedio, agradeció la participación de la orquesta de la UJED.

Al final del concierto salió el mariachi mexicano para acompañar con sus compases temas de la música mexicana, algunos del compositor José Alfredo Jiménez, como “Paloma Querida” y “Me cansé de rogarle”.

La última ocasión que el artista se presentó en el estado de Durango ocurrió el 2010 durante los festejos de la Feria Nacional Durango (Fenadu).

El Festival Revueltas es el más importante de Durango y conmemora el linaje de la familia Revuelta, formada por cinco artistas mexicanos: José, escritor; Silvestre, músico; Fermín y Consuelo, pintores, y Rosaura, actriz y bailarina.

Plácido Domingo cautiva al público del Festival Revueltas de Durango

París.- La revolución cubista no solo lleva los nombres de Pablo Picasso y Georges Braque, sino también los de al menos una cuarentena de artistas más cuyas obras se exhiben a partir de ayer en el Centro Pompidou de París, en la primera exposición que Francia dedica al cubismo desde 1953.

La muestra “Le cubisme”, que se podrá visitar hasta el 25 de febrero del próximo año, se define como un “recorrido inédito y un panorama completo” de uno de los movimientos fundadores de la historia del arte moderno.

“Braque y Picasso fueron los que crearon las invenciones más radicales, pero a su alrededor hubo lo que Guillaume Apollinaire llamó la totalidad del cubismo”, explica una de las comisarias de la muestra, Briggite Leal, en declaraciones a Efe.

El poeta francés se refería a los más de 40 artistas que la muestra ha sacado del segundo plano y que ilustran la diversidad del movimiento, como Juan Gris, Robert y Sonia Delaunay, Fernand Léger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier y Jean Metzinger.

Este no es el único cliché que la exposición se ha propuesto rebatir. Leal remarca que “el cubismo va mucho más allá de la geometrización de las formas y del rechazo de la representación clásica”.

EXPLORAN NUEVOS TEMAS

“Además -prosigue la comisaria -artistas como Robert Delaunay y Léger se atrevieron a explorar una temática distinta, el París de los primeros años del siglo XX como símbolo icónico de la modernidad”.

Asimismo, la muestra pone especial énfasis en el lado más revolucionario del movimiento: la invención de los collages y los “papiers collés”, que se convertirían en emblemas de movimientos posteriores como el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo.

Aun así, el Centro Georges Pompidou no ha podido evitar rendirse a creaciones maestras de los creadores del cubismo. De entre las 300 obras expuestas, se encuentran “Naturaleza muerta con silla de rejilla” (1912) de Picasso o “El músico” (1918) de Braque.

Otra de las virtudes de la exposición es haber reunido conjuntos pictóricos y escultóricos que nunca se habían presentado ante el público de manera unitaria.

Articulada de manera cronológica, la muestra ofrece un panorama del cubismo entre 1907 y 1917, periodo en que los artistas hicieron tabula rasa con los cánones tradicionales de representación e inventaron una nuevo idioma visual y conceptual. Profundamente ligado a su tiempo, el cubismo recibió una estocada letal al estallar la Primera Guerra Mundial (1914-1918).

CREADORES

Los artistas franceses fueron movilizados al frente -del que algunos, como Raymond Duchamp-Villon o Apollinaire, no volverían-, mientras que los españoles como Picasso y Gris pudieron quedarse en la retaguardia por pertenecer a un país neutral.

“Todavía había vida artística en París a partir de 1914”, insiste Leal, “pero el conflicto tuvo un impacto determinante en el movimiento”.

“Picasso -ejemplifica- volvió a un cierto dramatismo con figuras sobre fondos negros que aluden a la tragedia y, hacia el desenlace de la guerra, se denota un cambio en sus formas que anuncian ciertos aspectos del arte dadá y surrealista”.

El cubismo se reivindica

Ciudad de México.- Tras su exitosa presentación en el Festival Internacional Cervantino y en el Palacio de Cultura de Jalisco, la Orquesta Sinfónica de Israel Rishon LeZion ofreció un concierto anoche en el Palacio de Bellas Artes, donde celebró el 70 aniversario de la independencia

de Israel.

Previo a la función, el director de la agrupación Ofer Sela y el director huésped Yeruham Scharovsky compartieron su satisfacción por conmemorar en México el hecho histórico que les diera patria.

“Israel es un país abierto que extiende su mano a todo el mundo por su cualidad, no por su ideología, política o color de pasaporte”, expresó Scharovsky ante los medios de comunicación.

De acuerdo con el director huésped, durante su actuación e tocaron dos instrumentos que sobrevivieron al Holocausto.

“Por aquel entonces no sólo querían matar a las personas, sino también el espíritu de nuestro pueblo y como era lógico en las grandes orquestas de Alemania había muchos judíos, cuyos instrumentos eran grabados con una estrella de David y su uso era prohibido porque eran instrumentos que pertenecían a judíos”, anotó.

Detalló, “el israelí Amnon Weinstein, luthier y fundador del proyecto Violines de Esperanza, ha decidido localizar y restaurar violines que fueron utilizados por músicos judíos durante el holocausto, a fin de que vuelvan a tener vida. Y tendremos con nosotros un chelo y un violín de este proyecto”.

El programa estuvocompuesto por “Hora”, una danza del poema sinfónico “Emek”, de Marc Lavry, “que representa la atmósfera, el ambiente y el espíritu del día de la fundación israelí”.

Además, se interpretó el rezo hebreo “Kol Nidrei”, de Max Bruch, pieza a cargo de la violonchelista Danielle Akta, quien a sus 16 años de edad representa el futuro y cómo es que las jóvenes generaciones continúan cuidando las tradiciones de miles de años atrás.

El programa, que representa la cúspide de las celebraciones de Israel por los 70 años de independencia, también incluyó el “Concierto en Do mayor para violonchelo y orquesta”, de Franz Joseph Haydn, y la “Sinfonía Núm. 5”, de Piotr Ilich Chaikovski.

Sinfónica de Israel en Bellas Artes

Los Ángeles.- Gustavo Dudamel, director de la Filarmónica de Los Ángeles, fue nombrado ganador de un premio de las artes valorado en unos 250.000 dólares por su destreza y su defensa de la educación musical.

El director venezolano de 37 años recibirá el 25to premio anual Dorothy y Lillian Gish durante una ceremonia el 4 de diciembre en el Lincoln Center en Nueva York. El arquitecto Frank Gehry, laureado previamente con el galardón, será uno de los oradores en la gala.

El premio lleva el nombre de las hermanas Gish, estrellas tempranas de Hollywood que hicieron grandes donativos para la comunidad artística tras sus muertes.

Dudamel dijo en un comunicado que se siente honrado por el reconocimiento y que esto lo anima a querer esforzarse más para que las artes lleguen a tanta gente como sea posible.

Funge como director musical y artístico de la Filarmónica de Los Ángeles y ha promovido la importancia de la educación musical durante apariciones en la Casa Blanca, las Naciones Unitas y el concierto del Premio Nobel 2017.

Dudamel recibirá premio de las artes

El Cairo.- Una momia de mujer de unos 3.000 años de antigüedad presenta los tatuajes más elaborados encontrados hasta el momento en un cuerpo de la época, lo cual podría indicar su cargo religioso destacado en la corte del faraón, revelaron ayer una misión arqueológica francesa y las autoridades egipcias.

La momia tiene 30 tatuajes en el cuello, la espalda y los hombros, detalló en un comunicado el secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto, Mustafa Waziri, y estos no tienen “precedentes”, ya que las otras momias sólo presentan sencillos dibujos geométricos, puntos y líneas.

La variedad y la cantidad de los tatuajes podrían indicar el “papel religioso destacado” de la difunta, agregó la nota.

A pesar de que hasta el momento los arqueólogos desconocen su nombre y su función, consideran que podría haber desempeñado un cargo distinguido precisamente por tener en su piel dibujos de flores de loto, vacas y monos babuinos, además del ojo de Horus.

Momia de 3.000 años presenta tatuajes

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